Une des meilleures choses qu'il puisse arriver, durant une séance de dessin face à un modèle nu, c'est que la nudité du sujet renvoie à notre propre nudité, c'est-à-dire que nous nous reconnaissions nous-mêmes « tout nus » devant le modèle.

L'être humain est né nu et vulnérable.

Mais l'être humain n'aime pas beaucoup se sentir nu et vulnérable, préférant généralement s'identifier à la force et à l'invulnérabilité.

Tout ce qui peut habiller, revêtir, couvrir, masquer, protéger est le plus souvent bienvenu.

Dans le cas de l'artiste, son premier « costume » est son identité d'artiste, derrière laquelle plusieurs se protègent des insécurités et questionnement existentiels, ses souliers, parures et accessoires vestimentaires lui viennent de ses outils ou habiletés, et son armure ultime est forgée sur le concept de la maîtrise de son art.

Or la création d'une œuvre d'art sensible et vivante est soumise au même incontournable que la conception et la mise au monde d'un enfant : cela ne peut se faire sans une certaine ouverture, sans une forme de mise à nu ou d'abandon.

Si la « maîtrise artistique » peut constituer un chemin progressif cumulant les acquis, comme un escalier dont nous sommes appelés à gravir une marche après l'autre, la pratique elle-même nous ramène toujours au point zéro, devant une feuille vierge, ne sachant rien, ayant tout à apprendre et à découvrir, sous peine d'en perdre l'essentiel : ce qu'on pourrait appeler l'amour (Voir l'article précédant, Maîtrise-traîtrise).

L'amour en art, comme l'amour entre deux êtres, est exigeant en ce sens qu'il ne peut se reposer sur rien d'autre que sur la qualité de présence et d'attention à l'autre, au cœur de l'instant et dans la plus grande vulnérabilité. Dès qu'il s'appuie sur des habitudes, sur des principes ou des certitudes, dès qu'il devient « mécanique » ou s'habille de normes sociales, il signe son arrêt de mort à plus ou moins brève échéance.

La nudité, et à plus forte raison la nudité de la femme, généralement plus sensible et vulnérable, renvoie l'artiste à cette exigence de présence dépouillée, à fleur de cœur.

À moins de s'accrocher à son statut et à son armure d'artiste confirmé (il y en beaucoup qui ne peuvent s'empêcher de le faire), cette remise à nu intérieure va ouvrir la personne qui pratique le dessin à ce que l'on appelle l'inspiration, le modèle-muse lui tenant la main sur ce fragile chemin.

Il y a d'ailleurs une forme d'inversion subtile qui se produit à ce moment là entre l'artiste, qui constitue selon toutes apparences l'élément actif de la séance de dessin d'après modèle, et le sujet, lequel incarne la partie passive et immobile.

Quand l'artiste accepte de se retrouver intérieurement mis à nu, qu'il accueille sa réceptivité-vulnérabilité, c'est en quelque sorte le modèle-sujet qui devient subtilement « actif », guidant l'artiste dans le processus de réalisation de l'œuvre. Tout cela sans un seul geste ni un seul mot.

Plusieurs modèles ont constaté ce phénomène.

Nous avions, lors d'une session de dessin d'après modèle, accueilli une femme particulièrement enjouée. Étudiante en danse, son professeur lui avait conseillé de faire du modèle nu pour sortir des complexes qui l'handicapaient dans ses mouvements de danse. Lorsqu'elle posait, nous avions remarqué qu'elle ne cessait de bouger les yeux dans tous les sens. Interrogée durant la pause, à savoir si quelque chose la dérangeait, elle nous répondit qu'elle ne pouvait s'empêcher de regarder tour à tour les yeux des personnes qui la dessinaient, parce que disait-elle « dès qu'une personne se met à dessiner, son regard s'adoucit et son visage devient celui d'un enfant ». Son plus grand plaisir était d'observer cette métamorphose et de contempler les « visages d'enfants » tournés vers elle, lesquels se raccrochaient en quelque sorte à sa présence.

Il y aurait encore beaucoup à dire sur le mystère de la relation entre le modèle et l'artiste.

Certains auteurs ont d'ailleurs fait un travail considérable en ce sens.

L'ouvrage le plus complet consacré spécifiquement à ce sujet, à la fois sur le plan historique et analytique, est sans doute celui écrit par France Borel : « Le modèle ou l'artiste séduit », publié dans la collection Skira. Définitivement à lire pour toute personne qui s'intéresse au sujet!

Au-delà de l'analyse du sujet, laquelle verse souvent du coté de la psychologie motivationnelle et relationnelle entre le modèle et l'artiste, il demeure toujours un mystère que l'on ne peut toucher qu'au travers de la rencontre de cette double nudité, à la fois celle du corps et de l'âme, l'une révélant l'autre.

Peut-être que ce mystère touche d'une manière ou une autre à la relation entre ce qu'on pourrait appeler le Créateur et sa créature, entre le regardant et le regardé, se ramenant encore une fois à une « histoire d'amour »?

Pour en revenir à la « nudité » de l'artiste devant le modèle, mentionnons que de très rares artistes, surtout des femmes, certaines ayant déjà été elles-mêmes modèles, participent de la nudité de leur modèle durant la séance de pose, non seulement intérieurement, mais aussi en pratique, se dévêtant pour pouvoir mieux adhérer aux processus de dessin de nu.

Un des plus bels exemples publics de cette pratique est celui de l'artiste-modèle et naturiste belge Annick Terwagne, qui de préférence dessine ou peint dans la même tenue vestimentaire que ses modèles. Lire un article à ce sujet.

Pour mieux comprendre l'approche de « Ak », voir le site du couple Annick Terwagne et Jean-François Collignon, lesquels mènent une double démarche pleinement assumée, à la fois d'artistes et de naturistes.

Pour résumer, le dessin d'un modèle nu est toujours une forme de rencontre, en particulier pour celle ou celui qui accepte de la vivre pleinement. Rencontre avec l'autre, avec soi-même, avec le plus vulnérable ou avec le plus grand, peu importe, c'est une rencontre, et comme toutes les rencontres authentiques, cela implique une forme de mise à nu de part et d'autre!

Nu dans la lumière d'un sous-bois, dessin au graphite
Voir la réalisation par étapes du dessin